Sammlung Gegenwartskunst

Fo­to­gra­fien und Video wer­den als Ab­bild der Wirk­lichkeit wahrgenom­men. Sie zei­gen aber nur ei­nen Aussch­nitt, der von einem priv­i­legierten Stan­dort gekennzeich­net ist. Auf be­son­dere Weise zeigt sich dies beispiel­sweise am Bild der Frau. Es ist bes­timmt von Vor­bildern in den Massenme­di­en, der Wer­bung und Kun­st­geschichte, aber auch vom ge­sellschaftlichen Sta­tus. San­ja Ive­cov­ić und Stephen Wil­lats machen deut­lich, wie Be­trachter*in­nen in ihr­er Deu­tung der Dargestell­ten davon bee­in­flusst wer­den. Louise Lawler bricht das stereo­type Bild der Frau durch über­raschende Bil­dun­ter­schriften auf. Car­rie Mae Weems the­ma­tisiert die dop­pelte Un­sicht­barkeit als Frau und sch­warze Kün­st­lerin. In Michal Hei­mans In­s­tal­la­tion wird mit einem vermeintlichen psy­chol­o­gischen Test den un­ter­sch­wel­li­gen Be­deu­tun­gen in Sch­napp­schüssen aus einem Pri­va­tal­bum nachge­gan­gen. Can­di­da Höfer und An­dreas Gursky wiederum zei­gen die Grenzen des Doku­men­tarischen auf. In Rien du tout (2006) von Maya Sch­weiz­er und Cle­mens von Wede­mey­er durch­drin­gen sich Doku­men­ta­tion und Fik­tion, wenn Ju­gendliche aus den Randge­bi­eten von Paris zu­gleich als Statis­ten des Videos und der Geschichte über eine The­ater­probe auf­tauchen. Sie wer­fen die Frage auf, ob und wie die Dargestell­ten zur Sprache kom­men.

Lange wurde die gestische Malerei des In­formel und des Ab­s­trak­ten Ex­pres­sion­is­mus als un­mit­tel­bar­er Aus­druck des*der Kün­stler*in be­trachtet. Ge­gen die­sen Mythos ar­beit­en nach Sig­mar Polke und Ger­hard Richter ab den 1980er Jahren auch Kün­stler*in­nen wie Martin Kip­pen­berg­er, Al­bert Oehlen, Su­sanne Paesler, Ge­org Herold, Rose­marie Trock­el und Yan Pei-Ming an. Sie proben eine „sch­lechte Malerei“ (bad paint­ing), lassen Com­put­er malen, übersetzen die ma­lerische Geste in Kaviar­spuren oder Woll­bilder oder ver­wen­den poli­tische Zeichen und Per­so­n­en als plaka­tive Mo­tive. An­dere Sch­w­er­punkte setzen Ilya Kabakov, Ker­ry James Mar­shall und Lubai­na Himid. Kabakov bezie­ht die realen Be­trachter*in­nen sein­er In­s­tal­la­tion Unaufge­hängtes Bild in eine auf sie ver­weisende Geschichte über Kunst und deren Ausstel­lung ein. Mar­shall greift auf tra­di­tionelle Kun­st­darstel­lun­gen und Mal­tech­niken zurück, um ein ro­man­tisch­es Porträt der afroamerikanischen Mit­telschicht zu en­tw­er­fen, das im west­lichen Kun­stkanon fehlt. Himid verbin­det in ihrem Werk die Malerei mit ak­tivis­tischem En­gage­ment ge­gen den Aussch­luss sch­warz­er Kün­stler*in­nen aus Ausstel­lun­gen und der Kun­st­geschichtsschrei­bung.

Jim­mie Durhams er­weit­erte Skulp­tur bezie­ht die Be­trachter*in­nen auf eine be­son­dere Weise ein, die über das Sicht­bare hi­naus­ge­ht. Die Ma­te­rialien und die Anord­nung der Fund­stücke er­möglichen eine of­fene, prozes­suale Kun­ster­fahrung, die sich von der­jeni­gen zweidi­men­sio­naler Bilder un­ter­schei­det. Dies gilt auch für Zoe Leo­nards Tree (1997/2011) – ein zer­legter und mit Me­t­all­teilen wied­er zusam­menge­bauter Baum, der Ding und Skulp­tur zu­gleich ist. Cady No­land ar­beit­et mit vorge­fun­de­nen All­t­ag­sob­jek­ten wie Ver­satzstück­en eines Schin­del­dachs und einem me­t­al­le­nen Last­wa­ge­nauf­satz, die auf den amerikanischen Mythos un­be­gren­zter Frei­heit und Mo­bil­ität ver­weisen. Man­fred Per­nice leit­et seine aus Presss­pan­plat­ten hergestell­ten Skulp­turen von Ar­chitek­turen wie dem Flughafen­turm von Han­ge­lar ab. Kat­suro Fu­nakoshi wählt Kampfer­holz, das er nach dem Vor­bild von Re­nais­san­ce­porträts und Frei­plas­tiken der Ka­maku­ra-Zeit sch­nitzt.